提供一种社交模式(注3)。也有人将Tiravanija的作品归纳为「活动装置」(installation-event)，是一以活动为主体的空间装置作品。 　　布什欧的「关系美学」就是以这些作品为基础而发展出的理论，为当下层层监控的社会关系里创造一些新的可能，其中主导的气氛是「共同飨宴」，「大家一起来」，鼓励「艺术是为大家的，大家都是艺术家与艺术在日常生活里。」(Art is for everyone, everyone is an artist and art is in the everyday.)他还提到Tiravanija的作品将宴飨的价值与展览的价值结合在一起，而展览的价值也在艺术创作价值的框架之中。(注4)艺术与生活紧密结合，非艺术的社会行为变成创作形式，而「人」的参与使社会行为闪烁出艺术的光彩。 　　梦之屋：作梦的理由 　　来自苏联的艺术家卡巴可夫(Ilya Kabakov)是早期总体装置(Total Installation)概念的先锋，他的作品提供一种环境氛围将观众包裹其中。从1990年开始Ilya与Emilia Kabakov一同创作，其作品多与历史、艺术、文学及哲学有关，大部份的作品会虚构一个场景与有趣的说故事方法，此次的展览「梦之屋」(The House of Dream)邀请观众在画廊内睡觉、沉思与冥想，讨论梦的重要性与在睡眠时我们如何建构不同的真实，这件作品可说是艺术家对于当下社会失眠症状的观察，他说：「我们很多人都遭受到失眠、过浅的睡眠、压力及做恶梦之苦，这些都是我们生活中无法摆脱的痛苦。」于是，如何治疗以及如何帮着人们恢复正常状态便是这个展览所要呈现的，一种透过作品、空间、心灵疗愈过程。 　　艺术家在画廊空间中创造一个远离现实的场景，像是集体心灵安宁中心、医院或是疗养院，进入空间前，观众被要求换上白色的拖鞋，安静的在展场中走动，首先入眼的是一个个的床铺，在床与床之间有白色的帘幕，可以拉开，也可以拉起做为空间的区隔，每一个床都面对着外面的冬日庭院景色，观众被邀请进入这个空间，可以拉上帘幕，单独躺在床上欣赏外面景致，阖眼小睡，甚至呼呼大睡，或是几个好友一同参与睡眠计划，变成一个集体的梦之屋。位于画廊中间的空间则是一间间单独的小房间，是一个帮助人们放轻松、准备入眠的空间，一次只能一人进入，你可以躺在床上张开眼欣赏投射在此黑暗空间中五彩缤纷的影像，然后在这样的氛围里体验一种似梦非梦，瞑寐之间的特殊经验。 　　「梦之屋」与Tiravanija的公寓一样是对于公私领域跨界的讨论，原是公共空间的画廊似乎变成了私有空间，但同时却又开放给所有人一起使用，公领域与私领域之间互相跨界，彼此挪用。但相较之下「梦之屋」具有一种仪式性的氛围，是神圣的、宗教性的、庄严的、冷酷的与令人不敢逾越的感受，观众在其中都是安静的行走、卧躺、沉思、冥想。生与死，清醒与梦境、个人与集体、公领域与私空间都可以在这件作品中被看见。 　　艺术与生活的跨界 　　艺术与生活之议题可以溯源至20世纪初之杜象。杜象以美学行为取代艺术品的制造，他放了一个签了名的小便桶做为艺术家之指定艺术，而他将脚踏车轮架在凳子上，是要观众去接触，去转动，感觉这是生活亦或艺术，杜象还提出「艺术是一个在任何时间之下，全部人都可参与的游戏」(注5)，于是观众由被动的观看者变成主动的参与者。 　　真正打破生活与艺术之界线的迟至1960年代的普普艺术，普普艺术以大众文化为基础，进一步拆除生活与艺术之界线，直接使用日常元素。之后的偶发艺术(Happening)与福鲁克萨斯(Fluxus)更加入随机行为于作品之中，偶发艺术重要艺术家卡布罗说：「艺术变成了参与者，因此没有所谓的观众。」，在偶发艺术里观众变成了艺术家的素材，强调观众面对偶发处境的反应，而此反应即为作品。福鲁克萨斯的行动艺术则认为艺术与生活没有区别，每种生活经验都可转化为游戏或魔术，前卫音乐创作者凯吉(John Cage)，其著名的《4’33”》作品即4分33秒钟的空白与沉默的做为作品，观众的疑惑、不安、愤怒等都成作品的一部份。行动艺术的先驱波依斯更是将生活与艺术联结，他说：「艺术即生活，生活即艺术」(Art is a game between all people of all periods)，他的「社会雕塑」概念更是影响许多后辈艺术家。 　　这种生活型态艺术到1990年代后发展迅速，而到了当下几乎成了当红的艺术潮流，艺术形态百出，艺评家、策展人及学者纷纷以自己的方式分类与归纳这些新兴艺术形式而发展出新的艺术理论，包括参与式艺术(Participative Art)、经验式艺术(Experiential Art)、互动艺术(Interactive Art)、关系美学(Relational aesthetics)、对话美学(Dialogical aesthetics)、新情境主义(New Situationism)等来描述这些作品。 　　在文章的前半部，提到蛇形画廊的三个展览皆属于这种艺术与生活相互跨界的日常生活艺术型态，艺术家直接挪用生活元素，包括日常对象、生活空间与日常行动，艺术由这种大家所熟知的生活型态中产生，制造一个分享的机会，一个交流的平台。另一个更极端的日常生活型态艺术例子是伦敦的当代艺术协会(ICA, Institute of Contemporary Arts)所推出的塞格(Tino Sehgal)个展，ICA近年来以「艺术家——策展人」这个概念为主轴，透过不同艺术家及展览架构的设计，去发展多种可能性的展览风格，而谢加的展览即是一个与艺术家一同成长与发展的作品的长期计划，从2005年到2007年，谢加在ICA各有一档展览，第一档展览为2005年1月展出他早期的作品及一件新作，第二档为2006年2月，他为ICA的空间制作一件新作品。 　　什么都没有，只有对谈与走动 　　塞格出生于1976年伦敦的艺术家，目前居住于柏林，具有编舞与政治经济学的背景，这个背景完全反映在其作品之上，他的作品以对话、舞蹈或身体移动做为一种短暂性的出现，他重视现场的实时反应，而拒绝使用任何文字与剧本来说明或安排展览，通常他只提供一个简单架构给他的工作人员，其余的便由他们与观众共同发展而完成。 　　2005年，塞格代表德国馆参与威尼斯双年展，他的作品令人印象深刻，完全迥异于一般作品的呈现手法。观众进入展厅只看见一群工作人员对着观众边跳舞边唱，边说：「这真是太当代了、太当代、太当代」(OH! This is so contemporary, contemporary, contemporary)，而这个有趣的标语几乎成了威尼斯双年展中参观者彼此之间打招呼的通关密语，而另一件作品则是由工作人员与观众一对一、面对面，探讨谈论政治经济学的问题。 　　塞格的作品就是如此的随意、即兴、时时变化与流动，他表现的不是具体对象而是稍纵即逝的行为动作，他说：「我对于创作作品有兴趣，但我是借着反思作品的概念做为行动的转换，而不是一种实体的转化。」(I am interested i

上一页  [1] [2] [3] 下一页